RAMÓN FARO

Para mí el pintar, es poner en un lienzo mis sentimientos en color. Una exposición de mis pinturas, es mostrar al público momentos propios y visiones, que mi retina ha retenido y que quiero compartir con los demás. La pintura tiene para mí un 10 por ciento de inspiración y el resto es pura transpiración. Como decia mi maestro; para hacer un cuadro hacen falta tres cosas, pintar,pintar y pintar !!!.

Los temas de mis cuadros, vienen dados por el momento que atraviesa mi espiritu. Hay momentos que la montaña, me llena al plasmar su grandiosidad y otras que me recreo en las arrugas del rostro ajado de un montañés. Sólo espero que el que se recree en la contemplación de un cuadro mío, pase un buen rato.

Ramón Faro Cajal
"Aprendiz de Pintor"


Nos encontramos ante una topografía intima del paisaje, en una traducción plástica y estética del mismo. Ese aletargo contemplativo que mi amigo Ramón nos propone, nace con toda su densidad pictórica, a partir del momento en que el artista sabe aunar, al fin el drama de la naturaleza, con su propia dramática aventura puesta de manifiesto por su trayectoria artistica.

Faro, sigue cultivando una sensible pintura que bajo unas tonalidades aparentemente amortiguadas, crean un poetico clima sereno, equilibrado y armónico. Sabe narrar con sentido pictórico a la Naturaleza intervenida, atrapada por el momento.

Francisco Perea Granadino. Director de la revista Apsároke.

LA POÉTICA DEL ARTE

En esta exposición colectiva, el espectador, encontrará argumentos suficientes para entender los trabajos de los artistas de manera individual y sin necesidad de encasillamientos artísticos. El planteamiento,es pictórico con instalaciones , esculturas y bocetos escultóricos, más allá de la reproducción de lo visible, que en ocasiones son producto de la duda, profundización, contemplación, silencio, desazón, y conquista. La sugerencia de la vida real, ese "calar" hasta el interior de las cosas y percibir su pulso intimo y acceder de modo poético a unas referencias concretas que están muy presentes en esta exposición. Esa poética, entendida cómo relación entre el hombre y la realidad, no es más que una exploración espiritual, que comienza desde un camino que no es precisamente el más fácil: El de la concepción de los sueños que afloran plásticamente.

Me durmieron con un cuento.....
y me he despertado con un sueño.
Voy a contar mi sueño, narradores de cuentos.
Voy a contar mi sueño.
Es un sueño sin lazos,
sin espejos,
sin anillos,
sin redes,
sin trampas....y sin miedo.

León Felipe

El Arte es mágico y onírico que nos da calor en los días de frío y que nos saca de las tinieblas cuando la congoja nos aprieta.

Francisco Perea Granadino

Director de Apsároke.

“SEEING IS BELIEVING”

Noelia García Bandera y Miranda Sharp

15 enero – 27 febrero 2010

Inauguración: Viernes 15 a las 20.00

El próximo viernes 15 de enero inauguramos la primera exposición del año en la galería camara oscura con una exposición colectiva de las dos jóvenes fotógrafas Noelia García Bandera y Miranda Sharp.

La temática de “Seeing is believing” (“Ver para creer”) se adentra en el mundo interior de la máscara y las falsas apariencias con una intencionalidad de desvelamiento y búsqueda de la verdad pero utilizando sus propias armas: el ocultamiento, la manipulación, y la memoria. Nuestras estrategias en esta exposición son por tanto contradictorias y esencialmente instrumentales, coincidentes con los métodos de trabajo de Noelia y Miranda quienes hurgan en las heridas de la realidad mediante la teatralidad del estudio fotográfico y los microcosmos utópicos de nuestros hogares fragmentados. El crítico e historiador del arte Juan Antonio Ramírez es aún más revelador y concluyente:

“El escenario sin la figura humana es el resultado previsible de la teatralización de la/s vida/s. Nuestra existencia es la nada, un conjunto de gestos ocasionalmente desplegado ante un atrezzo inanimado y convencional. Naturaleza muerta. Sólo somos “modelos”. Venimos de una representación y a otra vamos, tal vez. En verdad, sólo importa el click instantáneo del disparo fotográfico. Eso debe de ser, seguramente, la inmortalidad (irónica) del arte.”

Noelia García Bandera (Málaga, 1974) es una artista comprometida y honesta que nos habla con gran sabiduría del género femenino, no solo de su vida (el matrimonio, la edad, los roles sociales, etc) sino también de su muerte que siempre se encuentra latente a modo de memento mori en su obra.

Miranda Sharp (Worcestershire, Reino Unido, 1977) por su parte, retrata paraísos perdidos con una mirada nostálgica hacia el pasado, hacia la infancia, contemplada con ironía desde el otro lado del espejo. En su obra nos preguntamos si lo que vemos es una “infancia recuperada”, como la de Fernando Savater, o perdida para siempre jamás.

Esperamos contar con tu presencia y agradecemos la difusión de esta nota de prensa. Para más información puedes contactar con Juan Curto en el teléfono 91 429 17 34, en el correo electrónico info@camaraoscura.net o visitando nuestra web www.camaraoscura.net

Madrid, 18 de noviembre de 2009.

camara oscura galeria de arte

T./F. 91 429 17 34

c/ Alameda, 16, 1º B

28014 Madrid

ARRUDI: MEMORIA PAISAJÍSTICA

Arrudi es aquí, sobre todo, un Barroco desmitificador,una especie de alquimista de los ojet trouvé,o los environment, un vitalizador de la tradición estética del assemblage dadaista.

Partiendo del assemblage -su método de metamorfosis- y siguiendo un proceso continuo de articulaciones,este artista actúa como un prestidigitador: combina,compone,desplaza,desordena y ordena, saca y agrega,destruye y reinventa, dando a los materiales reciclados un nuevo contexto-descontexto, un nuevo significado lingüístico. La escultura de Arrudi es en lo esencial una escultura -ambiente un teatro de las formas, monumental y mágico al mismo tiempo. Y en este ámbito de ritual crítico contra la sociedad de consumo, su iconografía alcanza un aspecto visionario: por medio de esta simbología, Arrudi exorciza su memoria paisajistica. Testimonio del pasado - a través de una mitología ancestral y contemporánea a la vez.

Francisco Perea Granadino. Director de Apsaròke


EXPOSICIÓN DE MIGUEL ÁNGEL ARRUDI PAISAJE Y TERRITORIO

Del 17 de Noviembre 2009 al 3 de Enero de 2010
Espacio Cultural Adolfo Domínguez de Zaragoza
Centro Comercial Puerta Cinegia

JOSÉ BEULAS. ABRIR HORIZONTES

Exposición

El Centro de Arte y Naturaleza de la Fundación Beulas acoge desde el día 24 de octubre y hasta el próximo 31 de enero la exposición Abrir Horizontes que recorre los 70 años de trabajo del artista catalano-aragonés José Beulas (Santa Coloma de Farnés, 1921). La exposición constituye una amplía retrospectiva de un artista que ha hecho del paisaje el protagonista absoluto de su obra.

La pintura de Beulas se ha ido homogeneizando progresivamente, acercándose cada vez más a lo esencial. Al reproducir la naturaleza sus obras encierran la emoción que esta produce y son reflexión sobre la propia naturaleza sintética hecha paisaje.

La generación de José Beulas comenzó a trabajar inmediatamente después de la Guerra Civil. Por un lado es ligeramente anterior a la de Dau al Set y El Paso, y por otro viene a coincidir con los artistas jóvenes de la Escuela de Vallecas. Beulas conoce ese ambiente, pero no siente la necesidad de realizar su trabajo apoyado por el estímulo de un grupo y, aunque mantiene sus relaciones y sus devociones, intenta sacar a la luz las posibilidades de su personalidad artística

Algunos críticos han interpretado que la idea del horizonte es lo que une a Beulas a la figuración, a un dato natural reconocible que transforma con el color. Su depurada técnica convierte el espacio de la obra en bandas de color, cielo y tierra, siempre con una línea de horizonte.

Su aportación a la historia de la pintura española se refleja en esta exposición a través de los 53 paisajes seleccionados de colecciones nacionales públicas y privadas, junto a una extensa documentación que incluye dibujos de academia, esbozos, cartas, textos, publicaciones y obras de otros autores que formaron parte de la colección particular de José Beulas, hoy colección del CDAN de la Fundación. Algunas de estas obras recientemente documentadas será la primera vez que se presenten al público como son las obras de los autores Juan Gris o Francis Bacon.

A través de más de un centenar de instantáneas en blanco y negro, la muestra propone un viaje intenso, amplio y singular por las fotografías realizadas y reveladas por el propio José Beulas, un pintor que sólo usa la cámara como medio de captura de la intensidad del paisaje, sin una intención artística, pero con la capacidad de crear una conciencia concreta y particular sobre la mirada del paisaje oscense.

La exposición está montada para el gran público que durante más de tres años ha demandado ver la obra pictórica de José Beulas. Se muestran las piezas con un cierto orden cronológico, junto a una extensa documentación que da cuenta de los diferentes intereses que han construido su forma de trabajar: la pasión por la arquitectura, su vinculación vital al Mediterráneo, sus preocupaciones pictóricas sobre la desertización o el cambio climático, por ejemplo.

Siempre ha agradecido la beca concedida por el Ayuntamiento y la Diputación de Huesca para formarse en Bellas Artes en Madrid y en Italia. Este agradecimiento se refleja en la donación de su colección y su finca. Por primera vez el público podrá acceder al estudio de García de Paredes construido en la década de los años 70 y contemplar el jardín diseñado por el propio José Beulas.

Producción: CDAN

24 de octubre de 2009 – 31 de enero de 2010

HORARIO CDAN

Martes a sábado de 11 a 14 y de 17 a 20 h

Domingos y festivos 10 a 14 y de 17 a 20 h

Lunes cerrado

Visitas guiadas gratuitas

Sábados 12 y 18 horas

Domingos y festivos 12 horas

Entrada gratuita

Grupos concertar visitas

KRZYSZTOF WODICZKO

Krzysztof, es la crítica pura, sus rupturas, sus écants absolus y su incontaminabilidad en pro de la supervivencia del arte. La crítica de las costumbres y de las relaciones sociales, el modo de expresar la sensación profunda de la vida y sus contradicciones, hacen de El un artista autentico." Somos artistas por el sólo hecho de no ser lo ya: Nosotros vamos a realizar el arte" ; La crítica de la vida cotidiana y la manera de entender el Arte y Urbanismo,hacen de la IS. (Internacional Situacionista) un movimiento artistico de vanguardia o mejor, de arte emergente. No es nuevo este movimiento que surgió en Italia en 1957 y reunió a una serie de artistas, como Asger Jorn y Constant, pero sus textos son de una actualidad que asombra, estos son: "Artistas inocentes transformarán vuestras alcantarillas en santuarios y catedrales atomicas". Las nuevas energías de las masas, saliendo de su largo sueño, cambiarán vuestros lúgubres termiteros de cemento armado en monumentos transformables y siempre cambiantes. Los artistas serán los "teddy-boys" de la antigua cultura. Lo que no habeis destruido, lo destruiremos nosotros para olvidarlo todo.........

Francisco Perea Granadino. Director Apsároke

TERESA WOOD

TERESA WOOD. PINTURA SUBMARINA

Hablamos de Teresa Wood, una pintora Inglesa afincada en Ibiza.

Wood adopta un lenguaje propio pero involucrado con la sensibilidad existencialista de su generación. Su trabajo esta contra el cuadro “acabado” al convertirse este en rastro de un proceso, obra abierta a otras posibilidades latentes esto es “pospintura”.

La sucesión de intensos y agudos momentos, ese ilusionismo óptico que libera el color. Las fuentes creativas, llegan a desembocar en un romanticismo lleno de luz, lo que ansía, lo que persigue. El color es el que da cuerpo a la idea-impulso; trata de “conseguir que el color hable, y que lo haga según su propio lenguaje”.

Para Bachelard, en el agua todo se integra, el universo y quien lo sueña.

Eso es Teresa Wood...

Es muy interesante su web www.teresawoodart.com

Francisco Perea Granadino. Director Apsároke

Águeda Simó

VIDEO ARTE

Video-arte, video-guerilla (slow cities, guerilla gardening, street reclaiming) de los movimientos y colectivos artísticos alternativos.....de acuerdo. De todas formas y siguiendo medio señal indicadora, medio fuente de inspiración el video arte tuvo su primera iniciativa en Barcelona (España). El punto de partida fueron las series informatives: 1.Video: Entre l’art i la comunicació, celebradas en el Col.Legi d’Arquitectes de Catalunya, con el patrocinio de Institut Alemany de Barcelona y el Institut del Teatre, la colaboración de la Facultad de Ciencias de la Información de la UAB y del Film video información. Tuvo lugar a finales de octubre de 1978 bajo la coordinación general de Antoni Mercader.

Como veis el Institut de Alemany de Barcelona y luego de Madrid colaboraron muy activamente en las nuevas tendencias de arte en nuestro país. Pues en Madrid tuvo lugar la representación en 1974 de los conceptualistas catalanes que se reunieron en Banyoles.

En los orígenes del video arte se tenía muy en cuenta la diferenciación entre tiempo “Input” y el tiempo “Output” (el tiempo transcurrido objetivamente y el tiempo transcurrido subjetivamente), se ha convertido en tema para el video arte y al igual que el aspecto de la realidad se ha tematizado el tiempo y la repetición del tiempo en el arte del video. Paik censuró la emisión documental pura, sin cortes ni montajes, es decir, la que transcurre en el mismo tiempo.

A finales de los 80 con la invención de “Morel” se creó un dispositivo fotográfico que era capaz de grabar y reproducir perfectamente imágenes tridimensionales. Comenzó a conocerse la Realidad Virtual, referencia muy importante para todos los video artistas.

El arte de la propia época es siempre difícil de descifrar y la actividad interdisciplinar de hoy en día hace la situación más compleja si cabe.

Terminamos este ciclo de video arte con Águeda Simó y Daniel Cánogar. Ellos mismos explican su manera de entender el arte y lo explican de maravilla. JCC Brain Research de Águeda Simó y Palimpsesto y Otras Geologías 9, 2005 de Daniel Cánogar. Tres obras importantísimas y alucinantes.

V FESTIVAL CINEMATOGRÁFICO INTERNACIONAL
EL OJO COJO

Continúan abiertas las inscripciones para el taller "La escenografía en las diferentes culturas" que en el marco del Festival Cinematográfico Internacional El ojo cojo, dictará el mexicano Erick Puertas y Jesús Miguel Romero.

Se trata de la única oportunidad en España de disfrutar de un taller intensivo de 10 horas, en el marco del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía.

En él , los docentes se proponen acercar a los participantes del seminario a las visiones escenográficas de las mas variadas culturas (Kabuky, Bollywood, Africana), descubrir el proceso y brindar las herramientas para la realización de un proyecto Escenográfico, tomando en cuenta el desarrollo conceptual y técnico (Dirección de arte, planeaciòn de construcción, montaje y materiales).

Revisarán procesos y realizadores de efectos especiales, escenografía, utilería, producción etc.
Inscripciones hasta el 18 de setiembre

Docentes:

Erick Puertas. Docente de Arte Contemporáneo y Escultura y resinas plásticas en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, Facultad de Arquitectura de la UNAM, Museo del Chopo UNAM, Universidad Autónoma Metropolitana, Ex Teresa Arte Actual, CONACULTA, Instituto Nacional de Bellas Artes, Universidad Autónoma de la Ciudad de México, Universidad Autónoma de Madrid, Galería T20 y Colegio Mayor Azarbe Murcia – España. Ha dirigido escenografia, dirección de Arte, Props, Dumies en Cine, Teatro, TV, Comerciale para Walt Disney Picture, 20th Century Fox, Paramount Picture, Columbia Picture, Sony Pictures.

Jesús Miguel-Romero – Artista plástico , y digital. Ha trabajado en el departamento de arte y como grafista 3D de numerosos filmes. Diplomado en la Asociación de Creadores para la Moda de España de Madrid. En Artes Digitales en la Escuela Trazos (Madrid).Figuras plásticas, moldes y resinas en la Fábrica de Artes y Oficios- Faro de Oriente (México D.F.) -Laboratorio de Producción Escenográfica y Dirección de Arte (Adra). Pintura al óleo, acuarela y bocetados en Círculo de Bellas Artes de Madrid

Mas información en www.elojocojo.org

Gary Hill

Continuamos con el Vídeo Arte de Gary Hill. Siendo los pioneros del video arte, Nan June Paik y Wolf Vostell, que se sirvieron de este medio y la televisión para enlazar el valor artístico, y su función “social”.Llegar a la destrucción de las formas pseudo-comunicativas, para llegar a una comunicación directa real.

Liberar el lenguaje artístico, rompiendo los signos del poder, mediante la palabra, la música, los gestos, los actos, el video. El arte, como la vida, puede ser vivida y cambiada de tal forma que su relación con la base material de la sociedad no sea una subordinación, sino una interacción.

Vivimos los medios de comunicación, de la misma manera que lo hacemos con el aire viciado. Ahí, esta el arte para denunciarlo, para darle un sentido a la vida.

La palabra, critica como el arte no juega, la palabra, critica como el arte, trabaja .Comprendamos así el fenómeno de la insumisión del arte, su huida, su resistencia abierta.

Quizás, esto nos trate de decir Gary Hill con Mouth Piece.

Jym Davis con su White Espace, basándose en la creación del hombre en la creación de instantes vividos, de una manera secuencial. Es, como entrar en la dialéctica histórica y no viene al caso.

Francisco Perea Granadino. Director Apsaróke

ANTONI MUNTADAS

EL LARGO DESPERTAR

Hola amigas y amigos, inicio esta andadura del blog de arte con entusiasmo. Mi agradecimiento a la gente que me ha alentado para hacer el blog: Miguel Ángel Arrudi, Miguel Mainar, Joaquín Pacheco, Teresa Wood y en especial a Raquel directora de Pirineos Magazine.

Intentaré que el blog sea ameno y con intercambio de ideas con colectivos artísticos alternativos, de vanguardia, los colegas de mirada corva y ojo cojo de tanto pintar y todos los que tengan que decir algo.

El motivo de comenzar con Antoni Muntadas no es otro que la gran influencia que ejerció con sus nuevos planteamientos artísticos, allá por mediados de los 70 en Barcelona y que hoy día sigue ejerciendo en el arte emergente.

Recuerdo que cuando estudiaba primero en la Academia de Bellas Artes de Sant Jordi se debatía entre los Neos (neoexpresionismo, neofiguración, neosurealismo, neorrealismo...) y nuevas tendencias y propuestas del catedrático Joan Hernández Pijuán. Había ciertos pintores que comenzaron a desmarcarse con nuevos planteamientos, con una nueva trasgresión de los contenidos tanto pictóricos como ideológicos. Unos se acercaron a la experiencia del nuevo reducionismo francés como Broto, Tena, Rubio, etc. Un hecho importantísimo fue a finales de 1972 con la organización de la I muestra de Arte Actual de Hospitalet. Participaron Abad, Federic Amat, Ameller, Cunyat, Benito, Saura, Ribé, etc. En 1973, fue el año más decisivo para la clarificación de postura respecto al conceptualismo de suma importancia para entender el arte actual. La reunión se produjo en Bañolas y el debate era sobre la informació d´art concepte, 1973 a Banyoles (Gerona) Intervinieron entre otros con acciones, proyectos o xerradas : Abad, Benito, Corazón, García Sevilla, Marchán, Muntadas, Santos, Pijuán, Robira, Utrillas, Pazos y Sanz. Todos ellos sentaron las bases del conceptualismo español y en general la gran influencia que ejercieron y siguen ejerciendo en el arte de vanguardia y arte emergente.

Antoni Muntadas, es el padre del Net- Art español del que haré un humilde comentario. En su video, El traductor de Imágenes, él lo explica como sólo lo saben hacer los grandes maestros, con sencillas palabras.

Ya dije que en los 70, Muntadas, participa con expresiones táctiles y sensoriales estudiando el comportamiento humano. El artista como sujeto-creador interactuando con el público. Este tiene la oportunidad de integrarse en los entornos de esa realidad cifrada por el autor y formar con el una actividad artística co-creativa. Actualmente su reflexión, se centra en marcos interpretativos más amplios. Grandes modelos de comportamiento construidos alrededor de temas fundamentales. Sistemas relacionales entre personas, clases sociales, situaciones políticas, que contribuyen a la configuración de los acontecimientos mediáticos. En la apropiación de las técnicas de la imagen, Muntadas, invierte su funcionalidad en un sentido no-afirmativo, esto es, con mucha crítica. El sentido original se va transformando como un desvelamiento de la complejidad causal, una “ostranenie” a niveles sintácticos.

En su obra On translatión basada en los problemas de traducción, trascripción y de comunicación y en definitiva una relectura de la ubicuidad espaciotemporal.

Hace una referencia a la teoría de la deriva Situacionista. Se percibe una cartografía influencial por la propia naturaleza de donde procede el signo sustitutivo, es decir, el mensaje, afirmando la referencialidad del mundo circundante.

No os perdáis el video del Aplauso que es una crítica despiadada a la humanidad y El traductor de imágenes donde explica y hace una reflexión sobre la propia naturaleza del arte en el mundo actual.

Francisco Perea Granadino, director Apsároke